domingo, 29 de junio de 2014
miércoles, 25 de abril de 2012
Los cursos y talleres que proponemos buscan dar una respuesta, integrando lo esencial del estudio formal de la música europea/clásica (armonía, notación, contrapunto..), así como el popular; y a través de la experimentación, re-creación, improvisación, reorquestación "de las músicas".
Y por sobre todas las cosas, busca devolverle la ritualidad y el sentido primario al hacer musical, y a la obra en sí misma.
Las clases son teórica-prácticas, y se brindan contenidos teóricos de un modo creativo para no entender solo de géneros, sino de "música" en su mas alto grado.
Interesados:
Les pedimos que elijan la instancia que les resulte adecuada a sus disponibilidades horarias y nos la envíen por mai (para la asignación a un grupo acorde a esos tiempos) a: musicosynomusicos@gmail.com; barbarataboada1@gmail.com
Opcionales:
1. Quienes tengan posibilidad de cursar una semana de corrido (de martes a martes.. etc) 4 encuentros seminario /7 curso (horario a convenir)
2. solo fines de semana (horario a convenir)
3. Solo algunos días de semana... (horario a convenir)
4. Solo 1 día a la semana.. (horario a convenir)
Gracias!!
http://barbarataboada.blogspot.com.ar/2011/10/cursos-y-seminarios.html
domingo, 23 de enero de 2011
Cursos 2012
Estamos armando grupos, para que cada uno pueda acceder
desde sus posibilidades espacio-temporales...
desde sus posibilidades espacio-temporales...
::::::::::::::::::::::: Inicio de talleres abierto todo el año
(se arman grupos y/o clases personalizadas) ::::::::::::::
*Grabación, Mezcla y Post-producción
Los cursos serán dictados en las instalaciones de www.estudiocabure.com.ar.
Duración: 3 meses- 12 clases de 1.30hs. 3 etapas
Duración: 3 meses- 12 clases de 1.30hs. 3 etapas
Primera etapa es fundamentalmente teórica: implicándo teoría del sonido; elementos indispensables en una producción musical, nociones de la acústica ,compresores, efectos, Multipistas, Eqs, Microfonos, Mezcla etc.,
Segunda etapa se pondrán en práctica los conceptos vistos en la primera etapa, ; se verá teorìa de mezcla, para luego ser aplicada,grabando y mezclando un material a elección, como también en trabajar en ejemplos de Artistas Profesionales de diferentes géneros (los materiales y mezclas le serán brindados, para trabajar así, diversos estílos y desentrañar los problemas de mezcla de cada género).
Tercera etapa post producción o Masterización, busca desarrollar y aplicar diversas técnicas de Mastering.
*Seminario de Composición (4 encuentros):
Propone un acercamiento vivenvial a las nociones esenciales de la práctica y teoría músical; abordándola como medio o instrumento que nos permita no sólo incorporar conocimientos externos para el trabajo compositivo; sino también, que apele a dar forma a aquellas visiones únicas y personales de quien busca componer en cualquier disciplina artística.
Duración: 4 encuentros de 2 hs
Se propone trabajar a partir de una obra dada, en su análisis, interpretación y reorquestación; para dar así con un nueva obra que será grabada y entregada a quienes deseen participar.
Duración: 3 meses - Encuentro de 2 hs semanales - Horario a convenir entre los interesados.
*Cursos de Creación Musical:
El curso pone como objeto la composición de una obra personal.
En las clases se analizarán las nociones que dan orígen a la teoría musical, apelando a la comprensión y relación de los diversos conceptos que hacen tanto a la mùsica culta acadèmica y/o contemporánea, como a los diversos estilos populares. La relación, interrelación y aplicación con libertad de estas nociones, es decir, sin límites de fronteras estilísticas, es el resultado que se busca y el camino que propone recorrer nuestra propuesta..
En cada obra se manifiesta un pensamiento, un modo de ver y sentir el universo que nos rodea; es por ésto, que cada obra es personal, y asi debe de ser tomada.
Duración: 6/10 meses. Encuentros de 2hs semanales. Horario a convenir por los interesados
:::: Info e Inscripciones: musicosynomusicos@gmail.com ::::
lunes, 25 de octubre de 2010
Taller de Creación Musical - Penal de Devoto
Escribimos este texto un tanto informal, con el propósito de difundir el trabajo que venimos realizando desde hace 3 años en el marco del "Taller de Creación Musical" , dentro del Proyecto Ave Fénix- Intervención en Cárceles- UBA XII.
En el taller participan entre 5 y 40 personas privadas de su libertad ambulatoria. Éstas conforman un grupo variable, con sus movimientos y renovaciones en el transcurso de estos años
¿Por qué digo entre 5 o 40 personas?
... porque el control de las "bajadas al taller" son reguladas por el servicio penitenciario dentro del CUD; quienes mas que regular, traen irregularidades por obrar, muchas veces, de forma indebida y poco clara.
No hace falta aclarar, que este comportamiento perjudica así, no solo a las actividades del taller, sino que atenta contra la existencia del Centro Universitario (que actúa desde hace ya 25 años dentro del Penal de Devoto) y contra el ánimo de cambio de los internos. Éstas irregularidades cotidianas, que son menores a comparación con otras literalmente fatales, hacen que la amenaza a la desestabilización del espacio sea moneda corriente; pero también afianza los lazos de sus integrantes mas sólidos, en un espíritu de absoluta resistencia.
En nuestro espacio participan tanto estudiantes universitarios privados de su libertad, como también aquellos que se encuentran en los primeros niveles de alfabetización.En ambos casos, por el hecho de hallarse en estas circunstancias, son personas de las que nadie espera nada... de las que nunca la comunidad esperó nada (excepto inseguridad), y de las que en algunos casos, al crecer oyendo que no valían nada.. creyeron que lo escuchado era cierto... Lograr en este contexto la unión, confianza, dignidad, respeto y responsabilidad por ellos mismos, se vuelve una tarea de autoconocimiento que no todos tienen la fuerza para sostener en el aislamiento del encierro, ni en el juzgamiento del "afuera"... pero hay algunos que si la tienen, que lo hacen, y esperan por ser oídos...
Este año, tenemos la oportunidad de hacer nuestra segunda presentación del grupo del Taller de Creación Musical...y la primera "extramuros"... gracias a que nos han seleccionado en el "IXº Congreso de Salud Mental y Derechos Humanos de la Universidad de Madres de Plaza de Mayo" para presentar una muestra a modo de Taller y ensamble musical.
Por otro lado, contamos con la invitación para participar, en el mes de Mayo del Festival Tsonami 2011, con la interpretación de dos obras musicales en el C.C: Recoleta.
Para lograr que se otorgue el permiso a 8 de los integrantes, por parte de los juzgados pertinentes a cada causa, nos encontramos tras la búsqueda del apoyo de diversas entidades de Derechos Humanos,Educativas, Culturales; como así también, de todas aquellas personas que consideren, al igual que nosotros, que la expresión es un derecho que debe de respetarse.
Aportes necesarios:
*Difusión
*Donación de Instrumentos:Nuestro trabajo es ad honorem, y los instrumentos que utilizamos para trabajar son creados en el mismo taller, tanto por nosotros como por los alumnos; por lo que toda persona que desee colaborar con instrumentos musicales y/o materiales para su elaboración, será bien recibida.
*Participación activa: extendemos el espacio a todos aquellos músicos, profesores,y/o artistas, que tengan la intención de brindar masterclass sobre su disciplina.
Sin mas que agradecer por el tiempo brindado, les dejo un link que contiene información de nuestros trabajos:
http://www.estudiocabure.com.ar/devoto
Bárbara Taboada._ Lucas Macchione
Profesores Coordinadores del Taller
En el taller participan entre 5 y 40 personas privadas de su libertad ambulatoria. Éstas conforman un grupo variable, con sus movimientos y renovaciones en el transcurso de estos años
¿Por qué digo entre 5 o 40 personas?
... porque el control de las "bajadas al taller" son reguladas por el servicio penitenciario dentro del CUD; quienes mas que regular, traen irregularidades por obrar, muchas veces, de forma indebida y poco clara.
No hace falta aclarar, que este comportamiento perjudica así, no solo a las actividades del taller, sino que atenta contra la existencia del Centro Universitario (que actúa desde hace ya 25 años dentro del Penal de Devoto) y contra el ánimo de cambio de los internos. Éstas irregularidades cotidianas, que son menores a comparación con otras literalmente fatales, hacen que la amenaza a la desestabilización del espacio sea moneda corriente; pero también afianza los lazos de sus integrantes mas sólidos, en un espíritu de absoluta resistencia.
En nuestro espacio participan tanto estudiantes universitarios privados de su libertad, como también aquellos que se encuentran en los primeros niveles de alfabetización.En ambos casos, por el hecho de hallarse en estas circunstancias, son personas de las que nadie espera nada... de las que nunca la comunidad esperó nada (excepto inseguridad), y de las que en algunos casos, al crecer oyendo que no valían nada.. creyeron que lo escuchado era cierto... Lograr en este contexto la unión, confianza, dignidad, respeto y responsabilidad por ellos mismos, se vuelve una tarea de autoconocimiento que no todos tienen la fuerza para sostener en el aislamiento del encierro, ni en el juzgamiento del "afuera"... pero hay algunos que si la tienen, que lo hacen, y esperan por ser oídos...
Este año, tenemos la oportunidad de hacer nuestra segunda presentación del grupo del Taller de Creación Musical...y la primera "extramuros"... gracias a que nos han seleccionado en el "IXº Congreso de Salud Mental y Derechos Humanos de la Universidad de Madres de Plaza de Mayo" para presentar una muestra a modo de Taller y ensamble musical.
Por otro lado, contamos con la invitación para participar, en el mes de Mayo del Festival Tsonami 2011, con la interpretación de dos obras musicales en el C.C: Recoleta.
Para lograr que se otorgue el permiso a 8 de los integrantes, por parte de los juzgados pertinentes a cada causa, nos encontramos tras la búsqueda del apoyo de diversas entidades de Derechos Humanos,Educativas, Culturales; como así también, de todas aquellas personas que consideren, al igual que nosotros, que la expresión es un derecho que debe de respetarse.
Aportes necesarios:
*Difusión
*Donación de Instrumentos:Nuestro trabajo es ad honorem, y los instrumentos que utilizamos para trabajar son creados en el mismo taller, tanto por nosotros como por los alumnos; por lo que toda persona que desee colaborar con instrumentos musicales y/o materiales para su elaboración, será bien recibida.
*Participación activa: extendemos el espacio a todos aquellos músicos, profesores,y/o artistas, que tengan la intención de brindar masterclass sobre su disciplina.
Sin mas que agradecer por el tiempo brindado, les dejo un link que contiene información de nuestros trabajos:
http://www.estudiocabure.com.ar/devoto
Bárbara Taboada._ Lucas Macchione
Profesores Coordinadores del Taller
jueves, 28 de enero de 2010
El Arte como Fe en "La Noche Primera"
«Y la tierra estaba informe y caótica y la oscuridad sobre la faz del abismo y el viento, el espíritu de Dios, flotaba sobre la faz de las aguas. Y dijo Elohim: Sea Luz y fue luz. Y vio Elohim a la luz que buena era y distinguió entre la luz y la oscuridad. Y llamó Elohim a la luz: Día, y a la oscuridad llamó Noche. » (Gn 1,2)..
… qué considero como arte, qué consideran los otros?.. Por qué una Obra puede ser una vía de encuentro con lo trascendental para algunos y no así para todos? Cuál es la relación con la verdad?... Qué la define como tal? Depende de la obra, o del espectador? Es el Arte un hecho dogmático limitado por un credo?
Después de pensar y repensar en qué es el Arte, utilizo un ejemplo que justifique mi elección, tratando así de alcanzar una respuesta… elijo una Obra de Arte Maestra, una obra no humana, pero que hace participe a la humanidad en su creación, que es patrimonio universal y que por sobre todas las cosas, se encuentra al alcance de todos; el observador de una Obra de Arte la interpreta según su sistema de valores, revalorizándola cada vez que se encuentra ante ella.
El observador de una Obra de Arte se convierte, así, en artista y co-hacedor. Por ende, tomo a “La Noche Primera” como una Obra de Arte Natural continuamente recreada por la humanidad.
Entendiendo que con el correr de los años la definición de “Obra de Arte” y su valor ha ido mutando según conveniencias y/o necesidades materiales, sociales y culturales; nadie puede tener la certeza absoluta de manifestar qué define o no a un hecho artístico; a raíz de esto, justifico mi elección y la postulo.
Para que una Obra sea una Obra de Arte, debemos Sentir la obra en nosotros mismos como tal. El arte es una comunión entre el creador, la obra y los espectadores. Una obra de Arte no se entiende por la explicación de terceros. Encuentro una importante relación entre el sentir de la Fé y el sentir de la Obra, ya que son hechos que son vivenciales, no transmisibles, personales y originales.
“La auténtica fe es más que un eco de la tradición. Es una situación creativa, un acontecimiento. Pues Dios no siempre está en silencio y el hombre no siempre está ciego. En la vida de todo hombre hay momentos en que se alza el velo que cubre el horizonte de lo conocido, dejando al descubierto una visión de lo eterno. Todos nosotros hemos experimentado por lo menos una vez en la vida la realidad de Dios. Todos nosotros hemos tenido alguna vez una vislumbre de la belleza, la paz y el poder que inundan las almas de quienes se consagran a El. Pero esas experiencias o inspiraciones son experiencias poco comunes. Para algunas personas son como estrellas fugaces cuyo paso no deja huellas. En otras, encienden una luz que no se extingue jamás. El recuerdo de esa experiencia y la lealtad a la respuesta que ese momento suscitó en nosotros, son las fuerzas que sostienen la fe. En tal sentido, la fe es fidelidad, lealtad a un acontecimiento, lealtad a nuestra respuesta.” Heschel
La contemplación es el sentir este flujo. Esta experiencia artística exige SER VIVIDA. Si este intercambio no se produce, si se olvida que los datos de los sentidos y del intelecto son importantes, como así también lo emocional, esta obra no será una Obra Artística. Se podrá justificar intelectualmente, evaluar su funcionalidad, pero carecerá de un alma que transmita y conmueva a otras. La Obra de Arte atraviesa, no se borra, su relevancia se traduce en el tiempo.
Considero que el arte traduce una realidad que pone en relieve lo espiritual en la experiencia cotidiana, devela lo oculto, roza lo divino. Se podría debatir vidas enteras en qué es lo que hace a su esencia, ya que el Arte plantea mas preguntas que respuestas.
“Cuando la energía del espíritu es fuerte y clara todo lo que se dice o se hace es una forma de Arte”; Cualquier interpretación parecerá siempre incompleta, pues el sentido último de la obra es provocar experiencias, sujetas al instante a través de emociones y sensaciones, que provoquen un cambio. El Arte es atemporal, ambiguo. El potencial es esta indefinición, que nos llama a buscar respuestas, por eso considero la experiencia de “La Noche”, como un acto artístico único, humano, divino, infinito, universal y trascendental, que trae en sí, la representación de “La Primer Noche”.
Al intentar profundizar en este sentido íntimo del fenómeno artístico, se nos hace imposible expresar el por qué de la admiración por una Obra; ya que por más de que justifiquemos intelectualmente, siempre existe lo otro, lo inefable.
Es “La Noche” una obra artística en sí misma, ya que nos permite en su contemplación acceder a nuevas visiones, planos, colores. Creada “in illo tempore”, se encuentra cargada de misterios y simbolismos que ritualizan la noche primera en cada nueva noche, la creación en si misma volviéndose atemporal.
Millones de seres han intentado desentrañar sus dones; encontrando respuestas a sus inquietudes. La Noche, La Obra, moviliza, manifestando una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable, que ha inspirado y sigue inspirando a cada espectador que la contempla, la encarna y la recrea.
El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza.
Depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época. Pero, sin embargo, es atemporal, porque el observador de la obra de arte la interpreta según su sistema de valores actuales, revalorizándola cada vez. El observador de una obra de arte se convierte, así, en artista. Por eso el hombre, también es hacedor de ella.
En la historia de la filosofía occidental se ha intentado resolver el problema del arte, la verdad y la belleza desde sus orígenes. Críticos de arte e intelectuales de todos los tiempos se han encontrado ante el dilema de subir o bajar el pulgar ante una nueva obra; como si fuesen los únicos capaces o elegidos para aprobar o no una creación realizada. Son Creadores de dogmas que justifican creencias, quizás porque de éste modo creen ser hacedores o participes de la creación artística; ya que así “pueden dar vida a la Obra Artística” como tal y definirla así para el resto.
Desarrollando diversas Teorías estéticas, se han preguntado sobre la función del arte, obteniendo algunas respuestas que podemos mencionar:
El arte como enseñanza moral: La concepción moralista se basa en el que el arte ha de estar al servicio de la moralidad, y se llega a considerar incluso que debe ser rechazado todo arte que no promueva valores morales que se consideren aceptables.
El arte por el arte: El arte tiene su sentido y finalidad en sí mismo. Según esta teoría, el artista es alguien dotado de unas extraordinarias cualidades creativas y su principal obligación es perfeccionar su obra.
El arte como fuerza social: El artista tiene una gran responsabilidad social y ha de estar “comprometido” con su tiempo.
El arte como destino de comunicación: La obra de arte es el medio del que se vale el artista para transmitir sentimientos y emociones al espectador, y tiene como fundamento la capacidad que poseen las personas para experimentar como propios los sentimientos ajenos.
La Obra que propongo se define a si misma, como el arte por el arte, comunica atravesando los diversos estadios del hombre y otorga en la contemplación, el sentido de su Ser.
Es importante entender cómo ha sido definido el término de Arte y por qué considero que un hecho no humano, puede ser concebido como un hecho artístico.
El término arte procede del latín ars. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia y habilidad de hacer algo. Durante el Renacimiento italiano, se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (productor de obras únicas).
A mediados del XIX (primera industrialización), es cuando aparece una verdadera oposición entre el producto artístico y el industrial En este período se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte, sin acceso para las mujeres hasta principios del siglo XX, y también surgió la idea de patrimonio, con la aparición de los primeros museos, y de los ‘especialistas’ como críticos y galeristas.
Hoy día, el arte ha establecido un conjunto de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario; todo esto en un mercado consumista que determina su valor y que varía sin enrraizarse profundamente.
Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas de dioses, etc., es la combinación del mito y la técnica. Pero lo que llamamos arte ha dejado de tener ese sentido mágico para pasar a tener, exclusivamente, un sentido estético y comercial. Se ha perdido la “capacidad de vivir la experiencia” para entender el sentido profundo de una obra; y se ha tomado la palabra de los críticos de arte como dogma a seguir y respetar, cual credo. Podríamos hacer una analogía con las palabras que expresa Heschel en relación a la Fe y mi consideración en relación al Arte:
“Sin embargo, tener fe no significa ampararse a la sombra de viejas ideas concebidas por profetas y sabios, ni vivir de un patrimonio heredado de doctrinas y dogmas. En el reino del espíritu, sólo el pionero puede ser heredero.6 El precio del plagio espiritual es la pérdida de integridad; ensalzarse a sí mismo es traicionarse a sí mismo”
Una Obra de arte se justifica sólo en su contemplación; y esto es intransferible. El Arte nace como manifestación cultural y búsqueda de representación de la naturaleza, de lo divino, de lo no dicho, de la incapacidad, de la muerte, de la vida; considero que no puede marcarse un único origen.
El verdadero Arte se vuelve atemporal. El desconcierto que causa aquello que es y no puede ser puesto en palabras, es lo que da origen a la actividad creativa del hombre en el arte y el pensamiento, tras el anhelo de “comunicar la profundidad de lo inexpresable” y de obtener conocimiento de ello. Y por ello lo siento tan cercano a la noción de fe en Heschel.
A mi entender un artista es aquel que no se antepone a la obra, es quien yace casi anónimo a ella… no hace falta pronunciarse, porque en ella vive; por ello encuentro en “La Noche” a “La Primera noche”, a “La Obra Artística” que oculta a su creador manifestándolo en todo lo que la constituye.
“Revelar el arte y ocultar al artista es la meta del arte”
Bárbara Taboada._
… qué considero como arte, qué consideran los otros?.. Por qué una Obra puede ser una vía de encuentro con lo trascendental para algunos y no así para todos? Cuál es la relación con la verdad?... Qué la define como tal? Depende de la obra, o del espectador? Es el Arte un hecho dogmático limitado por un credo?
Después de pensar y repensar en qué es el Arte, utilizo un ejemplo que justifique mi elección, tratando así de alcanzar una respuesta… elijo una Obra de Arte Maestra, una obra no humana, pero que hace participe a la humanidad en su creación, que es patrimonio universal y que por sobre todas las cosas, se encuentra al alcance de todos; el observador de una Obra de Arte la interpreta según su sistema de valores, revalorizándola cada vez que se encuentra ante ella.
El observador de una Obra de Arte se convierte, así, en artista y co-hacedor. Por ende, tomo a “La Noche Primera” como una Obra de Arte Natural continuamente recreada por la humanidad.
Entendiendo que con el correr de los años la definición de “Obra de Arte” y su valor ha ido mutando según conveniencias y/o necesidades materiales, sociales y culturales; nadie puede tener la certeza absoluta de manifestar qué define o no a un hecho artístico; a raíz de esto, justifico mi elección y la postulo.
Para que una Obra sea una Obra de Arte, debemos Sentir la obra en nosotros mismos como tal. El arte es una comunión entre el creador, la obra y los espectadores. Una obra de Arte no se entiende por la explicación de terceros. Encuentro una importante relación entre el sentir de la Fé y el sentir de la Obra, ya que son hechos que son vivenciales, no transmisibles, personales y originales.
“La auténtica fe es más que un eco de la tradición. Es una situación creativa, un acontecimiento. Pues Dios no siempre está en silencio y el hombre no siempre está ciego. En la vida de todo hombre hay momentos en que se alza el velo que cubre el horizonte de lo conocido, dejando al descubierto una visión de lo eterno. Todos nosotros hemos experimentado por lo menos una vez en la vida la realidad de Dios. Todos nosotros hemos tenido alguna vez una vislumbre de la belleza, la paz y el poder que inundan las almas de quienes se consagran a El. Pero esas experiencias o inspiraciones son experiencias poco comunes. Para algunas personas son como estrellas fugaces cuyo paso no deja huellas. En otras, encienden una luz que no se extingue jamás. El recuerdo de esa experiencia y la lealtad a la respuesta que ese momento suscitó en nosotros, son las fuerzas que sostienen la fe. En tal sentido, la fe es fidelidad, lealtad a un acontecimiento, lealtad a nuestra respuesta.” Heschel
La contemplación es el sentir este flujo. Esta experiencia artística exige SER VIVIDA. Si este intercambio no se produce, si se olvida que los datos de los sentidos y del intelecto son importantes, como así también lo emocional, esta obra no será una Obra Artística. Se podrá justificar intelectualmente, evaluar su funcionalidad, pero carecerá de un alma que transmita y conmueva a otras. La Obra de Arte atraviesa, no se borra, su relevancia se traduce en el tiempo.
Considero que el arte traduce una realidad que pone en relieve lo espiritual en la experiencia cotidiana, devela lo oculto, roza lo divino. Se podría debatir vidas enteras en qué es lo que hace a su esencia, ya que el Arte plantea mas preguntas que respuestas.
“Cuando la energía del espíritu es fuerte y clara todo lo que se dice o se hace es una forma de Arte”; Cualquier interpretación parecerá siempre incompleta, pues el sentido último de la obra es provocar experiencias, sujetas al instante a través de emociones y sensaciones, que provoquen un cambio. El Arte es atemporal, ambiguo. El potencial es esta indefinición, que nos llama a buscar respuestas, por eso considero la experiencia de “La Noche”, como un acto artístico único, humano, divino, infinito, universal y trascendental, que trae en sí, la representación de “La Primer Noche”.
Al intentar profundizar en este sentido íntimo del fenómeno artístico, se nos hace imposible expresar el por qué de la admiración por una Obra; ya que por más de que justifiquemos intelectualmente, siempre existe lo otro, lo inefable.
Es “La Noche” una obra artística en sí misma, ya que nos permite en su contemplación acceder a nuevas visiones, planos, colores. Creada “in illo tempore”, se encuentra cargada de misterios y simbolismos que ritualizan la noche primera en cada nueva noche, la creación en si misma volviéndose atemporal.
Millones de seres han intentado desentrañar sus dones; encontrando respuestas a sus inquietudes. La Noche, La Obra, moviliza, manifestando una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable, que ha inspirado y sigue inspirando a cada espectador que la contempla, la encarna y la recrea.
El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la naturaleza.
Depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, el mundo de cada época. Pero, sin embargo, es atemporal, porque el observador de la obra de arte la interpreta según su sistema de valores actuales, revalorizándola cada vez. El observador de una obra de arte se convierte, así, en artista. Por eso el hombre, también es hacedor de ella.
En la historia de la filosofía occidental se ha intentado resolver el problema del arte, la verdad y la belleza desde sus orígenes. Críticos de arte e intelectuales de todos los tiempos se han encontrado ante el dilema de subir o bajar el pulgar ante una nueva obra; como si fuesen los únicos capaces o elegidos para aprobar o no una creación realizada. Son Creadores de dogmas que justifican creencias, quizás porque de éste modo creen ser hacedores o participes de la creación artística; ya que así “pueden dar vida a la Obra Artística” como tal y definirla así para el resto.
Desarrollando diversas Teorías estéticas, se han preguntado sobre la función del arte, obteniendo algunas respuestas que podemos mencionar:
El arte como enseñanza moral: La concepción moralista se basa en el que el arte ha de estar al servicio de la moralidad, y se llega a considerar incluso que debe ser rechazado todo arte que no promueva valores morales que se consideren aceptables.
El arte por el arte: El arte tiene su sentido y finalidad en sí mismo. Según esta teoría, el artista es alguien dotado de unas extraordinarias cualidades creativas y su principal obligación es perfeccionar su obra.
El arte como fuerza social: El artista tiene una gran responsabilidad social y ha de estar “comprometido” con su tiempo.
El arte como destino de comunicación: La obra de arte es el medio del que se vale el artista para transmitir sentimientos y emociones al espectador, y tiene como fundamento la capacidad que poseen las personas para experimentar como propios los sentimientos ajenos.
La Obra que propongo se define a si misma, como el arte por el arte, comunica atravesando los diversos estadios del hombre y otorga en la contemplación, el sentido de su Ser.
Es importante entender cómo ha sido definido el término de Arte y por qué considero que un hecho no humano, puede ser concebido como un hecho artístico.
El término arte procede del latín ars. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia y habilidad de hacer algo. Durante el Renacimiento italiano, se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (productor de obras únicas).
A mediados del XIX (primera industrialización), es cuando aparece una verdadera oposición entre el producto artístico y el industrial En este período se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte, sin acceso para las mujeres hasta principios del siglo XX, y también surgió la idea de patrimonio, con la aparición de los primeros museos, y de los ‘especialistas’ como críticos y galeristas.
Hoy día, el arte ha establecido un conjunto de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario; todo esto en un mercado consumista que determina su valor y que varía sin enrraizarse profundamente.
Las primeras manifestaciones de lo que llamamos arte están relacionadas con la magia: las pinturas rupestres, las estatuillas de dioses, etc., es la combinación del mito y la técnica. Pero lo que llamamos arte ha dejado de tener ese sentido mágico para pasar a tener, exclusivamente, un sentido estético y comercial. Se ha perdido la “capacidad de vivir la experiencia” para entender el sentido profundo de una obra; y se ha tomado la palabra de los críticos de arte como dogma a seguir y respetar, cual credo. Podríamos hacer una analogía con las palabras que expresa Heschel en relación a la Fe y mi consideración en relación al Arte:
“Sin embargo, tener fe no significa ampararse a la sombra de viejas ideas concebidas por profetas y sabios, ni vivir de un patrimonio heredado de doctrinas y dogmas. En el reino del espíritu, sólo el pionero puede ser heredero.6 El precio del plagio espiritual es la pérdida de integridad; ensalzarse a sí mismo es traicionarse a sí mismo”
Una Obra de arte se justifica sólo en su contemplación; y esto es intransferible. El Arte nace como manifestación cultural y búsqueda de representación de la naturaleza, de lo divino, de lo no dicho, de la incapacidad, de la muerte, de la vida; considero que no puede marcarse un único origen.
El verdadero Arte se vuelve atemporal. El desconcierto que causa aquello que es y no puede ser puesto en palabras, es lo que da origen a la actividad creativa del hombre en el arte y el pensamiento, tras el anhelo de “comunicar la profundidad de lo inexpresable” y de obtener conocimiento de ello. Y por ello lo siento tan cercano a la noción de fe en Heschel.
A mi entender un artista es aquel que no se antepone a la obra, es quien yace casi anónimo a ella… no hace falta pronunciarse, porque en ella vive; por ello encuentro en “La Noche” a “La Primera noche”, a “La Obra Artística” que oculta a su creador manifestándolo en todo lo que la constituye.
“Revelar el arte y ocultar al artista es la meta del arte”
Bárbara Taboada._
Sobre la esencia, el fuego, la música y Latinoamérica.
El motivo de este escrito, es desarrollar un pequeño análisis en relación al sentido de identidad esencial de la cultura musical latinoamericana, y el peligro al que se expone ésta, tras la neutralidad que plantea el modelo “monomulticulturalista” que engendra la globalización en la actualidad. Debemos ser conscientes que desde nuestro accionar cotidiano, fortalecemos o quebrantamos aquello que nos da sentido de Ser; por eso creemos necesario meditar sobre algunas cuestiones.
“La esencia: Fuego y Frío: movimiento” Pablo Neruda
La identidad latinoamericana es producto de una heterogeneidad musical cultural infinita. Si observamos que en sus orígenes se encuentran los complejos mestizajes de las numerosas culturas pre-colombinas, su choque con las civilizaciones europeas, y a esto la suma luego, de la gran diversidad de culturas africanas traídas a estas tierras como esclavas, esto quedaría claro.
Entendiendo que cada una de éstas civilizaciones poseía en sí misma una esencia única, una tradición cultural; se expresa así, una identidad musical latinoamericana móvil y plural, contenedora de todas éstas esencias constitutivas; y por sobre todo, escenario en el que se produjeron y se producen relaciones de tensión entre si, dando como resultado diversos mestizajes, quiebres, asimilaciones, muertes, sumisiones o aniquilación de estos diversos modos de ser y actuar en la Tierra.
La diversidad de expresiones artísticas que se encuentran en el mundo, son muchas veces entendidas o estudiadas en un sentido moralista, viendo lo bueno y lo malo, lo superior o lo inferior, bajo el concepto de evolucionismo.
Esta distinción se hace mayormente al darle más prestigio a la música docta europea que a la música popular, música ritualìstica de pueblos primitivos y/o músicas orientales.
En el transcurso del s. XX se quiso aplicar el evolucionismo como una ley indiscutible adaptable a todo, por ende tambien al arte; pero la historia se ha encargado de demostrar su invalidez; ya que que en todas las èpocas, hubo diversas civilizaciones independientes que se desarrollaron de variadas formas, y que al desaparecer èstas, las nuevas no recojieron necesariamente la herencia de las antiguas.
El pensamiento de evoluciòn o progreso en el arte, es un pensamiento occidental, y el error està en considerar un solo tipo de humanidad, un sòlo tipo de arte; es decir, una ùnica civilizaciòn que existe con diversos grados de desarrollo; pero poseedoras de los mismos principios constitutivos.
El concepto de "evolución" musical resulta a mí entender ilusorio; ya que no podríamos decir que es más evolucionada la música dodecafónica que la barroca; o más profunda ésta que una baguala del noroeste argentino; sólo por ser una posterior a la otra en el tiempo o por comprender un lenguaje musical diferente.
En este sentido, las civilizaciones primitivas deberían ser consideradas superiores, al notar que en la música académica se considera el ruido como material sonoro musical utilizable en un sentido estético recién en el s. XX; cuando siglos, antes los primeros ya le habían dado identidad no sólo como material musical, sino como textura vibratoria de orden espiritual.
Resulta evidente la inutilidad de estas comparaciones, debido a que los contextos y necesidades culturales que sostienen a cada uno de estos ejemplos son únicos e irreproducibles; al no constituirse en los mismos principios, son esencialmente diferentes y así se manifiestan.
Existen de forma paralela otras visiones en relación a la concepción y valoralizaciòn de las expresiones artísticas, que manifiestan que el arte no puede ser analizado de un modo tan simplista. El “Arte Bruto” en Europa, es uno de los ejemplos de èsto, que se da origen rechazando las categorías que han sido impuestas por los críticos del pensamiento occidental en las expresiones artísticas y entiende otro significado del papel de la creación, como del creador.
Cada persona, cada civilización, es poseedora de una identidad esencial ligada a una tradición que contiene un universo simbólico de significaciones para un grupo de individuos, que comparten un pasado histórico y sienten la pertenencia a un espacio, a un tiempo, y a un grupo determinado de personas; y en este sentido construyen su identidad e ideología.
En relación a esto retomo el ejemplo anterior del uso del ruido en la música, para dar un nuevo ejemplo de significancia. Tomando el sonido como signo, éste es poseedor de un significado simbólico; su consideración y valor se encuentra dado por el contexto en donde se manifiesta y del mismo modo su significado. A pesar de que en la música occidental se utilicen ruidos, nunca dejarán de ser tratados como ruidos; no es ese el caso de los pueblos primitivos en los que, estos mismos ruidos, eran entendidos en un nivel ontológico del ser.
Tras la máscara del multiculturalismo que propone la visión de un mundo actual globalizado, en donde cada campo cultural se da en relación satisfactoria con los otros; y en la que las diferencias que existen entre ellos se funden o fusionan en nuevos modos de conducir la humanidad a la evolución; lo que realmente se obtiene es un “monomulticulturalismo”.
Se borran las huellas esenciales de cada cultura, las diferencias identitorias; para así consolidar una cultura hegemónica de consumo, creando una nueva identidad global neutra, que recrea un universo simbólico de valores, in visibiliza las marcas identitarias de origen, la historia, las cicatrices, y las arrugas de las que cada cultura debería enorgullecerse.
Con la aparición de las nuevas tecnologías se rompen todas las fronteras: la información circula y penetra más allá de las distancias que separan en tiempo y espacio a las culturas. Esto hace que se pueda escuchar “rap” boliviano o ir a un concierto de Jazz-Tango.
Así queda reflejado el concepto de “Mundo Gong” en un reino que propicia la unidad en la diversidad y la cantidad, en donde existe todo en todos lados, y las necesidades son las mismas, como el modo de vida. Se desconstruye la identidad propia, se erosiona el lugar antropológico que sostiene a una civilización, y se recrea otra nueva, que carece de bases fuertes que universaliza y hace desaparecer las diferencias.
El campo cultural de Occidente es de una mezcla de elementos que circulan con una velocidad creciente, es complejo resolver el problema de la función musical en el arte global contemporáneo sin la pérdida de la esencia y el de éste en la sociedad de nuestro tiempo, cuando se concibe el arte como mercancía, como producto de consumo.
Se hace necesario para el mercado que la música se vuelva híbrida y neutral para que se posibilite su nivel de consumo de forma general. Un ejemplo de esto es la extracción de elemento autóctonos culturales, sin la menor consideración hacia los símbolos que estos elementos representan al interior de su praxis; para luego producir la adecuación a la estética euro centrista, y así volverlo legítimo vaciàndolos de contenido.
Teniendo en cuenta el mestizaje cultural que hace a la identidad latinoamericana actual; podría entender que la esencia pura contiene a otras en sí misma, volviéndola compleja. En un nivel micro, se encuentra la pureza de las tradiciones primeras de estas tierras (que se constituyeron del mismo modo); en un nivel medio todas las resultantes del choque entre culturas, (lo que la vuelve heterogénea y móvil). Finalmente en un nivel macro, dado por el transcurso de las fluctuaciones dadas en el tiempo, queda constituida la forma e identidad de una cultura como síntesis de su existencia en el tiempo.
Latinoamérica esta constituìda esencialmente por el mestizaje de civilizaciones tradicionales ancestrales originarias de sus tierras en su comienzo, y por la colonización europea posteriormente. Siendo las primeras poseedoras de un conocimiento en base a una tradición arraigada en los principios sòlidos de orden metafìsico universal, no pudo ser fácilmente influenciada por los colonizadores, fue exterminada y sometida.
Un pueblo que es consciente de su orìgen e historia, se conoce a si mismo y justifica en cada acto que realiza, el lugar que ocupa en el Universo. Una civilización que se conoce asi misma es difícil de ser corrompida y prestarse a confusion, porque sabe quièn es, y puede ver su esencia; por otro lado, sino sabe quièn es, poco puede diferenciarse del otro porque no puede ver diferencia.
La movilidad, como lo expresa la frase de Pablo Neruda, esta intrínsecamente en la esencia, la constituye dándole vida. El sentido de Fuego y Frío, representan la oposición de vida y muerte que cada ser lleva en su equilibrio, los opuestos que constituyen la realidad persistente que la hace ser a través de las modificaciones de sus accidentes; pero es preciso entender que el ser que contiene cada uno de estos movimientos, es una esencia inmóvil en sí y eterna.
Bárbara Taboada._
“La esencia: Fuego y Frío: movimiento” Pablo Neruda
La identidad latinoamericana es producto de una heterogeneidad musical cultural infinita. Si observamos que en sus orígenes se encuentran los complejos mestizajes de las numerosas culturas pre-colombinas, su choque con las civilizaciones europeas, y a esto la suma luego, de la gran diversidad de culturas africanas traídas a estas tierras como esclavas, esto quedaría claro.
Entendiendo que cada una de éstas civilizaciones poseía en sí misma una esencia única, una tradición cultural; se expresa así, una identidad musical latinoamericana móvil y plural, contenedora de todas éstas esencias constitutivas; y por sobre todo, escenario en el que se produjeron y se producen relaciones de tensión entre si, dando como resultado diversos mestizajes, quiebres, asimilaciones, muertes, sumisiones o aniquilación de estos diversos modos de ser y actuar en la Tierra.
La diversidad de expresiones artísticas que se encuentran en el mundo, son muchas veces entendidas o estudiadas en un sentido moralista, viendo lo bueno y lo malo, lo superior o lo inferior, bajo el concepto de evolucionismo.
Esta distinción se hace mayormente al darle más prestigio a la música docta europea que a la música popular, música ritualìstica de pueblos primitivos y/o músicas orientales.
En el transcurso del s. XX se quiso aplicar el evolucionismo como una ley indiscutible adaptable a todo, por ende tambien al arte; pero la historia se ha encargado de demostrar su invalidez; ya que que en todas las èpocas, hubo diversas civilizaciones independientes que se desarrollaron de variadas formas, y que al desaparecer èstas, las nuevas no recojieron necesariamente la herencia de las antiguas.
El pensamiento de evoluciòn o progreso en el arte, es un pensamiento occidental, y el error està en considerar un solo tipo de humanidad, un sòlo tipo de arte; es decir, una ùnica civilizaciòn que existe con diversos grados de desarrollo; pero poseedoras de los mismos principios constitutivos.
El concepto de "evolución" musical resulta a mí entender ilusorio; ya que no podríamos decir que es más evolucionada la música dodecafónica que la barroca; o más profunda ésta que una baguala del noroeste argentino; sólo por ser una posterior a la otra en el tiempo o por comprender un lenguaje musical diferente.
En este sentido, las civilizaciones primitivas deberían ser consideradas superiores, al notar que en la música académica se considera el ruido como material sonoro musical utilizable en un sentido estético recién en el s. XX; cuando siglos, antes los primeros ya le habían dado identidad no sólo como material musical, sino como textura vibratoria de orden espiritual.
Resulta evidente la inutilidad de estas comparaciones, debido a que los contextos y necesidades culturales que sostienen a cada uno de estos ejemplos son únicos e irreproducibles; al no constituirse en los mismos principios, son esencialmente diferentes y así se manifiestan.
Existen de forma paralela otras visiones en relación a la concepción y valoralizaciòn de las expresiones artísticas, que manifiestan que el arte no puede ser analizado de un modo tan simplista. El “Arte Bruto” en Europa, es uno de los ejemplos de èsto, que se da origen rechazando las categorías que han sido impuestas por los críticos del pensamiento occidental en las expresiones artísticas y entiende otro significado del papel de la creación, como del creador.
Cada persona, cada civilización, es poseedora de una identidad esencial ligada a una tradición que contiene un universo simbólico de significaciones para un grupo de individuos, que comparten un pasado histórico y sienten la pertenencia a un espacio, a un tiempo, y a un grupo determinado de personas; y en este sentido construyen su identidad e ideología.
En relación a esto retomo el ejemplo anterior del uso del ruido en la música, para dar un nuevo ejemplo de significancia. Tomando el sonido como signo, éste es poseedor de un significado simbólico; su consideración y valor se encuentra dado por el contexto en donde se manifiesta y del mismo modo su significado. A pesar de que en la música occidental se utilicen ruidos, nunca dejarán de ser tratados como ruidos; no es ese el caso de los pueblos primitivos en los que, estos mismos ruidos, eran entendidos en un nivel ontológico del ser.
Tras la máscara del multiculturalismo que propone la visión de un mundo actual globalizado, en donde cada campo cultural se da en relación satisfactoria con los otros; y en la que las diferencias que existen entre ellos se funden o fusionan en nuevos modos de conducir la humanidad a la evolución; lo que realmente se obtiene es un “monomulticulturalismo”.
Se borran las huellas esenciales de cada cultura, las diferencias identitorias; para así consolidar una cultura hegemónica de consumo, creando una nueva identidad global neutra, que recrea un universo simbólico de valores, in visibiliza las marcas identitarias de origen, la historia, las cicatrices, y las arrugas de las que cada cultura debería enorgullecerse.
Con la aparición de las nuevas tecnologías se rompen todas las fronteras: la información circula y penetra más allá de las distancias que separan en tiempo y espacio a las culturas. Esto hace que se pueda escuchar “rap” boliviano o ir a un concierto de Jazz-Tango.
Así queda reflejado el concepto de “Mundo Gong” en un reino que propicia la unidad en la diversidad y la cantidad, en donde existe todo en todos lados, y las necesidades son las mismas, como el modo de vida. Se desconstruye la identidad propia, se erosiona el lugar antropológico que sostiene a una civilización, y se recrea otra nueva, que carece de bases fuertes que universaliza y hace desaparecer las diferencias.
El campo cultural de Occidente es de una mezcla de elementos que circulan con una velocidad creciente, es complejo resolver el problema de la función musical en el arte global contemporáneo sin la pérdida de la esencia y el de éste en la sociedad de nuestro tiempo, cuando se concibe el arte como mercancía, como producto de consumo.
Se hace necesario para el mercado que la música se vuelva híbrida y neutral para que se posibilite su nivel de consumo de forma general. Un ejemplo de esto es la extracción de elemento autóctonos culturales, sin la menor consideración hacia los símbolos que estos elementos representan al interior de su praxis; para luego producir la adecuación a la estética euro centrista, y así volverlo legítimo vaciàndolos de contenido.
Teniendo en cuenta el mestizaje cultural que hace a la identidad latinoamericana actual; podría entender que la esencia pura contiene a otras en sí misma, volviéndola compleja. En un nivel micro, se encuentra la pureza de las tradiciones primeras de estas tierras (que se constituyeron del mismo modo); en un nivel medio todas las resultantes del choque entre culturas, (lo que la vuelve heterogénea y móvil). Finalmente en un nivel macro, dado por el transcurso de las fluctuaciones dadas en el tiempo, queda constituida la forma e identidad de una cultura como síntesis de su existencia en el tiempo.
Latinoamérica esta constituìda esencialmente por el mestizaje de civilizaciones tradicionales ancestrales originarias de sus tierras en su comienzo, y por la colonización europea posteriormente. Siendo las primeras poseedoras de un conocimiento en base a una tradición arraigada en los principios sòlidos de orden metafìsico universal, no pudo ser fácilmente influenciada por los colonizadores, fue exterminada y sometida.
Un pueblo que es consciente de su orìgen e historia, se conoce a si mismo y justifica en cada acto que realiza, el lugar que ocupa en el Universo. Una civilización que se conoce asi misma es difícil de ser corrompida y prestarse a confusion, porque sabe quièn es, y puede ver su esencia; por otro lado, sino sabe quièn es, poco puede diferenciarse del otro porque no puede ver diferencia.
La movilidad, como lo expresa la frase de Pablo Neruda, esta intrínsecamente en la esencia, la constituye dándole vida. El sentido de Fuego y Frío, representan la oposición de vida y muerte que cada ser lleva en su equilibrio, los opuestos que constituyen la realidad persistente que la hace ser a través de las modificaciones de sus accidentes; pero es preciso entender que el ser que contiene cada uno de estos movimientos, es una esencia inmóvil en sí y eterna.
Bárbara Taboada._
viernes, 8 de enero de 2010
Investigación
Investigamos sobre nuevos métodos de enseñanza, técnicas, y capacidades de desarrollo artístico, aplicables a todo tipo de ámbito; poniendo en relevancia las diversas corrientes de pensamiento y entendimiento, que surjen como producto de una Identidad Latinoamericana latente y en re-construcción.
Utilizamos así mismo desde nuestra formación y praxis, una acción interdisciplinaria y multimedial, que nos permite entender el arte como una fuerza creadora que se abre en infinitos puntos de interacción, manifestando inquietudes y posibilidades de desarrollo.
Para información o pedido de material sobre proyectos realizados y futuros:
musicosynomusicos@gmail.com
Para información o pedido de material sobre proyectos realizados y futuros:
musicosynomusicos@gmail.com
Suscribirse a:
Entradas (Atom)